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Invenciones animadas: Ciclo de cine para disfrutar en estas vacaciones de invierno

El Bellas Artes presenta diez cortometrajes de animación para ver en familia, de forma gratuita y desde casa.

Hay un cierto prejuicio respecto del cine de animación: se lo tacha de “infantil”, como si fuera un cine “previo” al cine “real”, aquel en el que los niños se entrenan. Pero nada más lejano de la realidad: el cine animado nació incluso antes que el cine de imagen en vivo, y se utilizó especialmente como comentario satírico de la realidad. Es cierto que fue, sobre todo a partir de los años cincuenta del siglo pasado, utilizado como herramienta didáctica, y que la fantasía del cuento de hadas –como lo demostró Disney desde 1937 al estrenar “Blancanieves”– cuaja muy bien con un medio en el que cualquier imagen es posible. Pero también, por su plasticidad infinita, ha sido el hogar exacto de realización del surrealismo y del absurdo. En estos diez cortos de creadores de países muy diferentes, tal capacidad de invención cercana a la lógica de los sueños (el término “onírico” se repite forzosamente al comentarlos) se convierte en un puente hacia el comentario mordaz y poético, distanciado –arte mediante– del mundo. Desde gatos que no saben cazar ratones hasta apocalipsis que se realizan en viñetas ínfimas, esta selección también es una manera de mostrar las infinitas posibilidades de este hermano móvil de las artes plásticas.

Leonardo M. D'Espósito

Curador de cine

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The Aristo-Cat (1943)

Director: Charles M. Jones

De todos los grandes realizadores que crearon los Looney Tunes para Warner Bros., Charles M. “Chuck” Jones es quizás el de mayor fuerza experimental. Dejó de lado los fondos planos y el movimiento sobre el eje horizontal para probar ángulos nuevos, primerísimos planos (era un maestro del uso del rostro, como lo demuestra su creación “El Correcaminos”), cambios bruscos de velocidad (a veces el personaje permanece demasiado quieto unos instantes para luego, repentinamente, virar a lo vertiginoso), y el uso dramático de los fondos para complementar las emociones de sus criaturas. El primer gran ejemplo de esto último es “The Aristo-Cat”, donde un gato que no sabe lo que significa serlo se ve confrontado con dos ratones y el mundo real. El gran tema de Jones –la alienación, el ser inadaptado que nunca encuentra su lugar en el mundo pero persiste en el error– se manifiesta aquí sobre todo en el uso de fondos geométricos, cada vez más abstractos, que dejan de lado el estilo realista típico de la tradición Disney. En ese sentido, “The Aristo-Cat” abrió un camino que llevaría a una modernidad cada vez mayor.

* Disponible en:

https://www.b98.tv/video/aristo-cat/

Short and Suite (1959)

Director: Norman McLaren

Norman McLaren es, probablemente, el mayor experimentador en el campo de la animación. Refractario al discurso del cartoon clásico, y en los mismos tiempos en los que Warner Bros., Disney, MGM o Walter Lantz optaban por las historias centradas alrededor de personajes, decidió jugar con formas y figuras, con papeles recortados, fotografías modificadas y, sobre todo, pintura directa sobre película. Alrededor del jazz, como ya había hecho en su premiado corto “Begone dull care”, de 1949, McLaren juega con imágenes breves apenas dibujadas pero, esta vez, con efecto de volumen y más líneas rectas realizadas mediante el uso de punzones sobre película que no tenían los fotogramas marcados. El resultado es una combinación perfecta entre la música y la imagen, una manera de reproducir la idea de la improvisación a través de la imagen en movimiento animada, que en teoría se encuentra en las antípodas de lo espontáneo.

* Disponible en:

Tale of a Street Corner (1962)

Director: Osamu Tezuka

Padre, maestro y “kami” de la animación japonesa, Tezuka es sobre todo conocido en el resto del mundo por “Tetsuwan Atom” (Astroboy), el primer manga y animé exitoso de la historia. Pero además de definir las reglas de esos dos géneros, que son en realidad el mismo, Tezuka experimentó con el diseño y la narración animada de modos casi surreales. Una de sus realizaciones más importantes en ese sentido es “Tale of a Street Corner” (El cuento de una esquina) que, a través de carteles publicitarios, un par de ratones y una muñeca, condensa varios años de vida urbana. También muestra cómo la tragedia de la guerra ha golpeado a un país, y lo hace de un modo absolutamente poético, sin optar nunca por la declaración directa sino básicamente a través del gag visual, la construcción de un ambiente y una época. Probablemente lo más arriesgado (al menos desde lo temático) del gran dibujante nipón.

* Disponible en:

Jabberwocky (1971)

Director: Jan Svankmajer

Hubo un tiempo y un lugar donde el surrealismo era una herramienta de resistencia política. Praga, por ejemplo, en los años sesenta y setenta, en los alrededores de aquella “Primavera” aplastada por tanques soviéticos. Y uno de los mayores poetas surrealistas ejercía su arte a través de las imágenes, de la animación cuadro a cuadro. Ese señor, Jan Svankmajer, realizó también la que podríamos considerar como mejor adaptación del universo de Lewis Carroll a la pantalla, en su corto “Jabberwocky”, que comienza con una voz de niña, en inglés, recitando el célebre poema que abre “Alicia tras el espejo”. Lo que sigue es una serie de juegos a veces irónicos, a veces un poco tenebrosos, con objetos y juguetes que muestran un mundo cerrado y absurdo, donde los objetos cobran vida y adquieren nuevas formas, gracias al ejercicio del cine. Una de las mejores películas de Svankmajer, por la manera como concatena ideas visuales, a veces con un grado de detalle estremecedor, y un método de asociación que recuerda –como toda la obra de Caroll– la lógica del sueño.

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Les trois inventeurs (1980)

Director: Michel Ocelot

Con el tiempo, el maestro Michel Ocelot incorporó todo tipo de técnicas a su vasta obra animada, cuyo centro es la poesía y la idea constante de que algo novedoso, una ruptura del lugar común, crea cosas nuevas. En esta película realizada con papeles recortados de un modo preciosista, a la manera de los encajes belgas, narra la historia de una familia de inventores cuyas invenciones modifican el mundo, aunque da la impresión de que el mundo no desea ser modificado. La ironía sutil de la película, que logra crear impresiones de volumen y tonos a pesar de casi no tener más material que papeles blancos sobre fondos azules, puede en última instancia parecer trágica, pero también rescata el verdadero espíritu –romántico– de los grandes cuentos de hadas. La técnica de Ocelot, por lo demás, es asombrosa: el movimiento fluido de piezas complejas asombra, así como la creación de expresiones y emociones llenas de matices, con apenas un par de cortes en el papel.

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Vincent (1982)

Director: Tim Burton

El estilo visual de Tim Burton se comprende mucho mejor si sabemos que se formó básicamente como dibujante y animador, muy influido tanto por Edward Gorey como por –no sería sorpresa, era dibujante también– Federico Fellini. “Vincent” es su primer corto, realizado con la técnica de stop motion y muñecos, y además de ser autobiográfico (la historia de un niño que prefiere los cuentos y ambientes de terror a los juegos típicos de su edad), confluyen en él a través de gráficas alejadas de todo realismo y proporción las ideas del juego y de la centralidad de los desplazados. El texto en inglés original parodia los cuentos en verso de Dr. Seuss, y es narrado en off por Vincent Price, el gran ídolo de infancia del realizador, quien luego sería el científico creador de “El joven manos de tijeras'', gracias a la amistad que comenzó con esta ópera prima del creador de “Batman” y “El gran pez”.

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Time Out (1984)

Director: Priit Pärn

El dibujante estonio Priit Pärn es uno de los animadores modernos más importantes. A través de un juego gráfico que descreía absolutamente del realismo, criticó la burocracia soviética desde el humor y la desmesura. “Time Out” es probablemente su corto más accesible, y el que llamó la atención de los festivales internacionales respecto de su obra, a veces hermética pero siempre cautivante desde lo visual. Pero aquí solo vemos a un personaje alienado que carece de tiempo para sí, hasta que una mano detiene el reloj. Entonces tanto la criatura –un gato antropomórfico y multicolor– como el mundo se transforman en un juego de metáforas visuales que se concatenan, siguiendo un orden totalmente onírico pero –se recomienda verlo más de una vez– de una coherencia narrativa absoluta. La ironía y el humor campean en cada uno de los fotogramas y la conversión de una imagen en otra sorprende constantemente.

* Disponible en aquí

Technological Threat (1988)

Director: Bill Kroyer

Este corto de Bill Kroyer es interesante porque en su realización aparecen varios nombres importantes del cine animado contemporáneo, como Rich Moore (realizador y guionista de “Ralph el demoledor”, y uno de los cerebros detrás de “Futurama”) y Brad Bird (realizador de “Los Increíbles”, “Ratatouille”, “El gigante de Hierro”, “Misión: Imposible-Protocolo Fantasma”), que hizo de “Los Simpson”, durante su primer lustro, el fenómeno cultural universal en el que se ha transformado. “Technological…”, que homenajea desde su protagonista (un lobo a punto de quedar sin trabajo gracias a la aparición de un robot) a Tex Avery, es también un corto profético que incluye un pionero uso de la computadora para crear un personaje (el “robot” del cuento), al mismo tiempo que retoma la tradición vertiginosa del cartoon clásico.

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Mona Lisa descending a staircase (1992)

Director: Joan C. Grantz

Este corto ganador del Oscar en su especialidad es una demostración de uso de una de las características más interesantes de la animación: la transformación de un plano en otro por modificación constante. El bastidor es una serie de obras clásicas de la pintura universal que, con cierto ritmo y bastante humor, van transformándose unas en otras. Al mismo tiempo, resulta un trabajo con un proyecto didáctico e informativo notable que no deja de lado las ideas sobre cómo el arte es un campo en constante movimiento, cuyos estilos no son compartimentos estancos sino que conviven –como tradición, como trazos– con invenciones más contemporáneas. La música, además, cumple una función emotiva que acompaña y comenta cada una de las obras, pero deja al mismo tiempo que la imaginación del espectador encuentre otros sentidos a cada una de las imágenes y a su sucesión.

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The end of the world in four seasons (1995)

Director: Paul Driessen

El holandés Paul Driessen es un maestro en la ironía y, también, en la mezcla de espacios y tiempos. Un maestro, también, de la sátira. Este corto, además de ser una joya de humor, es sumamente experimental: en cada uno de los cuatro “movimientos”, aparece una pantalla dividida en viñetas. Lo que sucede o va sucediendo en una viñeta, siempre afecta a alguna otra, hasta que poco a poco se va construyendo una historia apocalíptica, mordaz, un “fin del mundo” discreto que muestra sobre todo lo absurdo de los comportamientos más cotidianos. El grado de invención y la minucia de la construcción están al servicio de un humor a veces oscuro pero expresado a puro color.

* Disponible en:

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