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MUSEO/CINE/ARTE 4: Obras grandes en formato chico

En vacaciones de invierno, el Bellas Artes propone una selección de cortos de animación de todo el mundo.

Como parte del ciclo “MUSEO/CINE/ARTE”, el curador de cine del Bellas Artes, Leonardo D’Espósito, propone para ver en casa y en familia una selección de cortometrajes de animación de todo el mundo, disponibles en distintas plataformas gratuitas.

“Hay una pregunta que no debe hacerse al cineasta que se dedica al cortometraje: ¿Cuándo harás un largo? –dice D’Espósito–. Una de las reglas básicas del cine es que una película debe durar tanto como su asunto lo permita, y esto es estricto. Así, un cortometraje es una obra completa, acabada, que dura exactamente lo que debe durar. No es un cine menor, ni es el preludio al largometraje. Durante décadas, formaron parte insustituible de los programas cinematográficos en todo el mundo. En muchos casos, la concentración temporal redunda en una densidad de ideas y formas que no es frecuente encontrar en el largo”

“Muchos de los mejores ejemplos del formato son gratuitos y están al alcance de cualquiera. Claro que, como suele ser un cine que solo observan los especialistas, son difíciles de hallar si no se tiene una hoja de ruta. El cortometraje es un campo relegado a los márgenes, pero en cierto sentido es una ventaja: abundan allí experimentos formales y novedades. En tres etapas, aprovechando además que la familia está en casa, proponemos una selección para ver juntos, disfrutar e incentivar la imaginación. Habrá animación, comedias y rarezas. Y todas las películas son obras de arte”, resume.

Universos de diversión

Gran parte del cine de animación está conformada por cortometrajes. La razón es simple: es mucho más complejo crear un mundo de la nada, fotograma a fotograma, que registrar lo que está o se dispone delante de la cámara. De allí que sea poco probable –aunque en los últimos años, computadora mediante, las cosas han cambiado un poco– que haya “escenas cortadas” en el cine animado. Se muestra en la pantalla exactamente aquello que los creadores deciden que es pertinente. Aprovechando que estamos en virtuales vacaciones de invierno –es cierto, el contexto de la pandemia hace que tal etiqueta sea más bien simbólica. Pero como a los rituales no hay que suspenderlos, aquí presentamos una selección de obras maestras del cine de animación, todas realizadas para ser vistas en cine, que no solo pueden verse con niños sino que permiten charlar con ellos, descubrir cosas, desempolvar saberes. Y, además -o sobre todo- divertirse, que es desde la diversión que se llega a tierras poco exploradas.

Leonardo D’Espósito

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Rainbow Dance

Gran Bretaña, 1936

Dirección: Len Lye

El neozelandés Len Lye es una figura poco conocida fuera del (pequeño) campo de los especialistas en cine experimental y de animación. Es una pena: pionero en varias técnicas (desde usar un rodaje “normal” a modo de collage –pixilation– hasta el dibujo directo sobre película) algunas de sus publicidades realizadas para el Correo británico en los años treinta sentaron las bases para la experimentación feliz en la invención animada. Uno de sus cortos más conocidos es “Rainbow Dance”, donde, tras la lluvia, un hombre baila de felicidad en un paisaje colorido para, finalmente, escuchar que “La libreta de ahorro postal del Correo Británico coloca una olla de oro al final de su arcoiris”. El mensaje publicitario es lo de menos: Lye tenía carta blanca para hacer lo que quisiera y decidió jugar con ritmos, música, formas y colores. Entre otras cosas, fue el maestro de Norman McLaren en el uso de estas técnicas. El corto –junto con “Trade Tattoo”– tiene como único norte la alegría del espectador. Y que ahorre dinero en estampillas.

* Disponible en:

https://www.youtube.com/watch?v=8E7fO6TyKvE

Begone Dull Care

Canadá, 1949

Dirección: Norman McLaren

Probablemente Norman McLaren sea el discípulo más conocido de Len Lye, a quien conoció en la unidad cinematográfica del correo británico, antes de marchar a Canadá y fundar, junto con el documentalista John Grierson, el National Filmboard of Canada (o, para ser correctos dado el carácter legalmente bilingüe de aquel país, la Office Nationale du Film de Canada), donde se dedicó a la animación como forma de educar y transmitir ideas con la pura imagen. La vida de McLaren merece una novela: desde sus desacuerdos tremendos con Disney durante la Segunda Guerra Mundial (la Disney y el NFB tuvieron que colaborar) hasta pasar meses perdido en la China de la Revolución Cultural, hay material de sobra para películas y series. Mientras, su obra es un conjunto de cortometrajes de las más variadas técnicas: desde el dibujo animado tradicional hasta el stop motion, la pixilation o la pintura directa sobre film. En “Begone Dull Care” –o “Fantasía en colores”, como lo bautizó en castellano– McLaren juega sobre la composición jazzera del trío de Oscar Peterson. Hay dibujo sobre película en general, pero sorprende el sector “medio” (un “adagio” jazzero) donde McLaren se puso unas púas en los dedos y “tocó” la película virgen a medida que escuchaba la composición. El resultado es un romántico ballet de líneas y puntos blancos sobre negro. Una experiencia sobre la duración de una imagen, sobre el valor de un fotograma.

* Disponible en:

https://www.youtube.com/watch?v=svD0CWVjYRY

Inspirace

República Checa, 1948

Dirección: Karel Zeman

Hay una leyenda que dice que Disney solía llamar a Karel Zeman cuando tenía algún problema técnico. Es poco verosímil, y quizás se trate de que Disney sí aceptó la inspiración de “Una invención diabólica”, el largo más conocido del realizador checo sobre el imaginario –y los grabados originales– de Julio Verne, anterior a la versión de tío Walt de “20.000 Leguas de Viaje Submarino”, dirigida por Richard Fleischer. Pero es cierto que Zeman tenía una capacidad increíble para superar problemas técnicos, tanto en la animación stop-motion como en el uso de efectos especiales, dos campos que, en su caso, resultan uno solo. Un ejemplo es “Inspirace” (Inspiración), su película más conocida, donde se dedica a animar figuras realizadas por él mismo en vidrio. El resultado es de una gran belleza e impecable desde lo técnico. Se trata de un cuento de hadas y de un juego sobre la similitud de las formas que logra fusionar, en los momentos narrativamente claves, lo imaginado artificial con la acción en vivo sin que ambos registros afecten la unidad estilística del corto.

* Disponible en:

https://www.youtube.com/watch?v=dwxYz_4D6aE

One Froggy Evening

EE.UU., 1955

Dirección: Chuck Jones

Steven Spielberg definió este corto como “El Ciudadano del dibujo animado”, y quizás sea exagerado. O quizás, no. Es uno de los cuentos morales –en el mismo sentido en que Eric Rohmer utilizaba el término– de Chuck Jones, sin personaje fijo. Aunque la rana (bautizada luego como “Michigan J. Frog”, en la película carece de nombre) se convirtió durante años en el emblema oficial de Warner Bros. Animation. La historia de un hombre que persiste en el error (gran tópico de Jones), alienado por un futuro que jamás se hace presente, tiene varios elementos para justificar la afirmación de Spielberg. En primer lugar, la banda sonora. Son ocho composiciones, una de ellas original (escrita por Jones y el guionista Michael Maltese, el “Michigan Rag”), que pertenecen en general a la era dorada de la opereta, fines del siglo XIX y principios del XX, todas cantadas por Bill Roberts. Luego, la síntesis absoluta a la que llega Jones en el uso del rostro (vean al representante de artistas, por ejemplo). La progresión dramática, el final irónico, el hecho de que Jones estudiara ranas reales para lograr realismo en la transición de “rana normal” a “rana cantante humanizada” y, sobre todo, el humor inteligente (“Cerveza gratis”) de todo el corto colocan esta película aparte del cartoon tradicional. Probablemente Spielberg tuviera toda la razón.

* Disponible en:

https://vimeo.com/21117324

Adventures of an *

EE.UU., 1957

Dirección: John y Faith Hubley

John Hubley es otro de los grandes “marginales” de la animación, mucho más si se piensa que es un animador estadounidense, ganó varios Oscar y trabajó tanto dentro como fuera de la industria. Fue uno de los protagonistas de la célebre huelga de Disney de 1942 –en ese estudio fue uno de los animadores de “Fantasía”– y luego fundó, junto con Stephen Bosustow, Robert Cannon y el padrinazgo de Chuck Jones, los estudios UPA, donde nació Mr. Magoo. Hubley optó por un diseño mucho más estilizado, por formas más cercanas a la pintura contemporánea. Tras problemas en UPA y perseguido por su filiación de izquierda durante la Guerra Fría, dejó California por Nueva York y realizó, auspiciado por la fundación Guggenheim, esta película extraordinaria donde pocos trazos (de allí que el protagonista sea solo “un asterisco”) hace una fábula sobre el arte, el placer y la cultura en general, sin olvidar toda clase de apuntes sociológicos jamás subrayados. Se nota en el diseño el peso de Jackson Pollock y, sobre todo, de Alexander Calder, lo que conjuga extraordinariamente bien con la banda de sonido de Benny Carter interpretada al vibráfono por un Lionel Hampton en estado de gracia. Luego de esta película, llegarían “Moonbird”, “Herb Alpert & The Tijuana Bras Double Feature”, “The Hole” y otras obras maestras, así como el reconocimiento como pionero y renovador que merecía.

* Disponible en:

https://www.youtube.com/watch?v=IabK200F3SM

The cat came back

Canadá, 1988

Dirección: Cordell Barker

Esta película tiene varias raíces. La más evidente es la del cartoon americano (de hecho, homenajea a un genial corto de Merrie Melodies “Back Alley Oproar”, de Friz Freleng, que opone al gato Sylvester y a un sufrido Elmer Fudd). Otra, la serie de cortos con canciones populares canadienses que “inventó” Norman McLaren en los años cuarenta, dado que “The Cat Came Back” es una de esas canciones, lo que lleva un poco el asunto para el lado de la parodia. Y en tercer lugar, el estilo desaforado y fuera de toda norma del productor de la película –y maestro del realizador Cordell Barker–, Richard Condie. La película reformula la poética del cartoon clásico llevando aún más lejos el absurdo, con momentos de experimentación formal que pasan inadvertidos (el uso de subjetivas, cámaras que giran 360°, la deformación constante de la perspectiva de un modo casi lisérgico) ante la fuerza cómica de la anécdota: un gato destrozón al que su dueño no puede alejar nunca de su casa. La primera vez que se lo ve, uno se ríe mucho por los gags. La segunda, descubre un entramado de humor en segundo plano, centrado en detalles sutiles, que le otorgan otra dimensión a la anécdota.

* Disponible en:

https://www.nfb.ca/film/the-cat-came-back/

Trim Time

Alemania, 2001

Dirección: Gil Alkabetz

Esta muy breve animación de los estudios FilmBilder –de lo mejor que apareció en este campo en los últimos años– narra la historia de un árbol y el paso de las estaciones con el correr del año. Lo hace con absoluta creatividad, utilizando el ritmo y el uso del diseño caricaturesco del mejor cartoon clásico. De hecho, puede mirarse como una relectura de la primera gran época del medio, aquella en la que se humanizaban objetos y todo tenía un aspecto casi rabelaisiano. Además de la acción y del uso metafórico de la “peluquería”, hay que prestarle atención al uso del color. En efecto, los cambios que permiten marcar el paso de las estaciones son sutiles pero consistentes con lo que se busca mostrar. El humor es constante, nacido del movimiento, de la aparición de un absurdo surreal con elementos mínimos y de una mirada completamente lúdica, de niño pero no pueril. Casi todas las invenciones que FilmBilder distribuye tienen este grado de sofisticación personal, un modo cariñoso de acercarse, desde la novedad, a la gran tradición de un género.

* Disponible en:

http://www.filmbilder.de/en/works/shorts/schnippschnapp.html

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